‌풍경은 빙산과 땅의 지형처럼 자연과 접촉했던 경험을 통해 만들어진 공간이다. 공간의 흐름을 읽어 형상을 만들어 냈다. 자연과 자연처럼 만들어진 그러나 부자연스러운 인공의 풍경은 관객의 인식습관에 대하여 반문 한다.

‌The artificial landscape was built with Styrofoam, light and black ink in the historical art exhibition space. The installation reflected the artist previous experience of being in nature. The artist also incorporated his imagination of the landscape that existed long before the space was built upon. The audience was encouraged to walk through the installation.

‌충돌과 직조의 인터페이스 풍경
 
김성호 l 미술평론가, 중앙대겸임교수
전시장 초입부터 관객이 맞이하게 되는 것은 어두컴컴한 공간과 그 곳으로부터 희미하지만 유려한 빛을 뿜어내고 있는 거대한 덩치의 몸체이다. 마치 동굴의 형상과도 같은 그것은 전시장 바닥에 채워놓은 물의 표면에 자신의 몸체를 드리우고 침잠한 채 관객을 맞이한다. 어둠과 그것에 스며드는 빛, 전시장 벽을 에워싸며 점유한 거대 조각체, 짙은 수면 위에 반영된 이미지들이 조우하는 그것은 하나의 풍경이다.
단순한 몇 가지 요소가 공간을 가득 메우면서 창출하는 천대광의 장대한 풍경은 관객의 시각을 즉각적으로 자극한다. 관객들로서는 느닷없이 대면하게 된 스펙터클한 풍경이라는 첫인상의 시각적 충격으로부터 벗어나면서 사유의 여백을 천천히 만나게 될 수 있다. 계단을 다시 오르내리면서 혹은 좁은 너비로 바닥에 설치된 나무다리를 느릿하게 오고가면서 관객은 검은 수면 위를 점유하고 있는 빈 공간에 자신들의 미적 경험을 하나둘씩 올려놓게 되는 것이다. 흥미롭게도 그것은 관객들이 스스로 맞닥뜨린 충격으로부터 서서히 벗어나는 스스로의 숨고르기의 행위이면서도, 작가가 치밀하게 계획한 공간연출의 시나리오에 의해 필연적으로 귀결되는 미적 감상의 태도가 된다. 관객들은 바닥에 채워진 물이라는 장애물과 전시장 입구 쪽에만 장치해놓은 나무다리 혹은 전망대로 인해 그것과 계단 사이의 범주만을 부단히 움직일 수밖에 없기 때문이다.
무수한 우드락 단편들이 집적되어 만들어진 동굴벽은 흡사 세월을 켜켜이 쌓아올린 실제의 지층의 모습을 닮아있다. 그것은 작가가 그동안 목재의 단편들을 수직과 수평으로 교차시켜 거대한 구조물들을 만들어왔던 직조(織造)의 방식을 계승하면서도 수평적 집적으로 변이시킨 조형언어로부터 기인한다. 개별체들의 연속을 멀티플 전략으로 조직화하는 조형방식으로 인해 그가 창출하는 풍경은 그런 면에서 가히 '직조의 풍경'이라 할 만하다. 개별체들이 얼굴을 맞대고 '하나의 우리'를 만들어낸 직조체는 거대한 석회암 벽체이거나 아예 동굴 내의 종유석과 석순이 무수히 만나 만들어낸 장대하고도 오묘한 하나의 석주(石柱)처럼 보이기도 한다. 게다가 이것의 배면에서부터 은은히 비추는 형광등 조명이나 전시장 바닥을 먹물로 가득 채워 이미지를 반영케 하는 설치 어법은 전체적으로 전시공간을 한층 오묘하고 신비롭게 만들어낸다.
 그에게 이번 전시는 하나의 미술작품이자 풍경이며 하나의 전시공간이자 인터페이스(interface)이다. 인사동이라는 도심의 컨텍스트 안으로 판타지의 자연공간을 옮겨놓아 관객들과 강렬한 '첫인상'으로 접촉, 대면하게 한 '충돌의 인터페이스'이자 한 달이 넘는 긴 기간 동안 수고스러운 창작의 노동과정을 거쳐 조각의 몸체 하나하나를 일일이 붙여 올리고 세밀하게 전망대를 만들어놓은 '직조의 인터페이스'이다. 그것은 작품과 관객, 예술과 인간, 도심과 자연, 사실과 환상, 이미지와 사유의 지점을 '충돌의 양상'으로 활발히 매개할 뿐 아니라 그 스스로도 어둠과 빛, 실재와 반영, 구축과 해체 사이에서 '직조 혹은 성찰의 양상'으로 스스로를 차분히 매개하길 잊지 않는다.          

‌Interface of collision and weaving- Scenery

Kim Seong Ho l Art Critic
What the viewers encounter at the entrance of the exhibition is a dark space and an enormous body emitting dim but elegant light. The object, resembling the shape of a cave, greets the viewers as it casts its body on the surface of water filling the floor of the exhibition space. Darkness, the permeating light, an enormous sculptural object that surrounds and occupies the wall of the exhibition space, and images reflected on the dense surface of the water all encounter a singular scenery.
The epic scenery, created by a few simple elements that fill the space, immediately stimulates the viewers' sight. The viewers can slowly have their space for thoughts as they move away from the visual shock of unexpectedly encountering a spectacular scene. Climbing up the stairs once again or walking along the narrow wooden bridge installed on the floor, they come to place their aesthetic experiences in the empty space occupying the black surface of the water. Interestingly enough, such an action is to calm down one's own shock in a gradual manner while it is also an inevitably aesthetic attitude of appreciation that is necessarily driven by the artist's elaborately planned scenography. The viewers cannot help but move between the wooden bridge and stairs, thanks to the obstacle - water filling the floor - as well as the wooden bridge - or an observatory - that can be accessed only at the entrance of the exhibition.
Created by accumulating countless styrofoam boards, the wall of the cave resembles a real geological stratum that accumulates time in a number of layers. Such resemblance comes from the artist's figurative language where he succeeds the existing method of creating large-scale structures by crossing sections of wood in both horizontal and vertical directions while modifying it into horizontal accumulation. In that regard, one can be confident to call the scenery the artist produces - with the figurative means where the continuation of individual objects is organized through the strategy of multiplication - as a 'weaved scenery.' The weaved body where individual objects create 'we as a singular entity' by standing next to each other looks as if it was an enormous wall made of limestone. Or it even looks like an epic and mysterious stone pillar produced by the countless contacts between stalactites and stalagmites. In addition, the ambient fluorescent lighting coming from the back of the structure or the installation language where the artist fills the floor with ink to make reflected images changes the atmosphere of the exhibition space even more profound and mysterious as a whole.
For the artist, the current exhibition is by itself a work of art and scenery. It is an exhibition space and interface. It is 'an interface of collision' that moves the fantastical space of nature into the urban context of Insa-dong, leading the viewers to contact and encounter it with an intense 'first impression.' At the same time, it is also 'an interface of weaving' where each piece of the sculptural body is affixed and stacked while an observatory is elaborately created through the artist’s effortful creative labor over the period of a month. The work actively mediates an artwork and its viewers, city and nature, fact and fantasy, and images and points for thoughts as 'modes of collision.' In addition, it does not forget mediating itself with calmness as 'a mode of weaving or contemplation' between darkness and light, the real and its reflection, and construction and deconstruction.
Translated by Jaeyong Park